Die Virgin Spring Review

In der dritten in einer Reihe von Rezensionen der Bergman Collection Mike Sutton hat die Version von Region 0 überprüft Der jungfräuliche Frühling . In der Tat ein sehr guter Film, wenn nicht Bergmans bester, ist dieses Vergewaltigungsdrama eine erschütternde, kraftvolle Erfahrung.

1961 gewann Ingmar Bergman seinen ersten Oscar für die Jungfraukallen, die uns besser bekannt sind als Der jungfräuliche Frühling . Dies war eine etwas verspätete Anerkennung durch den kommerziellen Mainstream eines Talents, das fast 20 Jahre lang erstaunlich gute, manchmal frustrierende, aber immer interessante Arbeit geleistet hatte. Es ist ein wenig seltsam, dass er den Oscar für einen Film gewonnen hat, der so entschieden unkommerziell ist, eine düstere und grausame Geschichte, die ihre Grundlage in einem beliebten mittelalterlichen Märchen hat. Noch seltsamer ist, dass der Film zur Vorlage für Wes Cravens wurde Letztes Haus auf der linken Seite , ein Film, der auf allen Ebenen wesentlich grafischer ist, aber nicht ein Zehntel so stark. Bergman demonstriert in diesem Film seine außergewöhnliche Fähigkeit, den Menschen, die in einer kleinen Gemeinschaft leben, unter die Haut zu gehen, und eine noch beeindruckendere Fähigkeit, seinen Zuschauern Dinge ins Gedächtnis zu rufen, an die sie vielleicht lieber nicht denken wollen.



Der Film ist einerseits ein Vergewaltigungs-Rache-Melodram und andererseits ein klassisch strukturiertes. Ein jungfräuliches junges Mädchen, Karin (Pettersson), geht mit ihrer heidnischen Halbschwester Ingeri (Lindblom) in die Kirche, wird aber unterwegs von einigen Bauern vergewaltigt und ermordet. Die Mörder, verloren und weit weg von zu Hause, suchen Schutz in einem nahe gelegenen Bauernhaus, das den Eltern des Mädchens gehört. Ihr Verbrechen wird zufällig entdeckt und die Eltern rächen sich, indem sie die Mörder ihrer Tochter töten. Mit anderen Worten, dies ist die gleiche Geschichte, die das Publikum seit den Anfängen der mündlichen Überlieferung bis hin zu der wesentlich weniger fachmännischen Behandlung des Themas in einer Vielzahl von Filmen unter der Regie von Michael Winner auf die eine oder andere Weise begeistert hat. Tatsächlich war diese Handlung selten so effektiv wie hier, weil Bergman viel mehr an Ursachen und Folgen interessiert ist als an schadenfrohen Aufnahmen von Männern, die eine Frau vergewaltigen. Die Intensität des Leidens, sowohl des Mädchens als auch emotional ihrer Eltern, ist schwer zu beobachten, weil es mit unangenehmer Direktheit und dem Kontrast zwischen der hellen, schelmischen und glücklichen (wenn auch wissentlich unverschämten und faulen) Karin und ihrem erbärmlichen toten Körper dargestellt wird ist herzzerreißend. Wie immer in Bergman ist dies eine grausame Welt und niemand entkommt mit intakter Unschuld – das gleiche Thema wurde 20 Jahre später wieder aufgegriffen Aus dem Leben der Marionetten Aber aus der Sicht des Mörders.

Bergman achtet auch darauf, nicht in die alte Michael-Winner-Falle zu tappen, die Mörder von Vergewaltigern in brutale Stereotypen zu verwandeln. Der eine, von Axel Duberg mit finster-komischem Charme gespielt, ist zunächst ausladend und witzig, darf sich beim Publikum beliebt machen, bevor seine Geschwätzigkeit in Schimpfworte umschlägt. Der andere, ein hervorragendes Stück Pantomime von Tor Isedal, einem Stummen, erhält in seiner ersten Szene ein nettes komisches Geschäft, und seine wachsame Geduld unterscheidet sich stark von der hirnlosen Schlägerei, die uns ein minderwertiger Regisseur angeboten hätte.

Ebenso dürfen die Eltern keine sentimentalen Klischees sein. Der Vater Tore (Von Sydow) ist ein strenger, aber liebevoller Mann, durchaus als Typ erkennbar, aber nicht besonders sympathisch, und die Mutter Mareta (Valberg) ist eine einschüchternd selbstgerechte Puritanerin, deren eigene Selbstverstümmelung den Masochismus anzeigt, mit dem man sich selbst beurteilt noch strenger als alle anderen. Als sie die Wahrheit über die Männer erkennen, die sie willkommen geheißen haben, ist ihr Abstieg in die Gewalt glaubwürdig, weil sie mit minutiöser Aufmerksamkeit für jedes Detail jeder Phase des moralischen Kompromisses erfolgt, gefolgt von einer plötzlichen Entscheidung, Ethik beiseite zu legen und Emotionen zuzulassen – genau das die Mutter hat versucht zu löschen – für ein paar schreckliche Momente die Kontrolle zu übernehmen. In der Tat, wenn wir dies als eine Studie über Puritanismus im Konflikt mit Emotionen sehen, dann ist es eine wichtige Etappe in Bergmans Entwicklung hin zu einigen seiner besten Filme wie Winterlicht und Schreie und Flüstern . In beiden endet die Leere eines Lebens, das der Selbstkasteiung und der endlosen Infragestellung der eigenen Existenzwürdigkeit gewidmet ist, mit einer schrecklichen, unvermeidlichen Tragödie, und dieses Thema wird hier im Keim erkundet.

Wie immer bei Bergman erinnert die Wiederherstellung einer Vergangenheit, die in gewisser Weise so neu und doch so unerkennbar ist, an L.P.Hartleys Worte; Die Vergangenheit ist ein fremdes Land. Dort machen sie es anders. Der Schauplatz ist das Schweden des 14. Jahrhunderts, aber es könnte genauso gut auf einem anderen Planeten sein, denn die Bräuche und die Sprache stammen aus einer Kultur, die uns völlig fremd ist. Der Film spielt in einer Zeit, als trotz des Aufstiegs des Christentums über den Kontinent das Heidentum noch einen gewissen Anspruch auf die Bauernschaft in Nordeuropa hatte und die Erinnerungen an die nordischen Triumphe noch stark waren. Die beiden Töchter bieten uns einen direkten Kontrast zwischen den beiden. Ingeri, deren ahnungsvolles Gesicht den Film eröffnet, als sie sich aus völliger Dunkelheit erhebt und den Namen des Gottes Odin beschwört, ist ganz animalische Wut, glaubt an die Götter ihrer Vorfahren und verachtet die Plattitüden des neuen Gottes des Christentums. Karin, in einem eher simplen Kontrast, ist blond, glücklich und lächelt, als sie in die Kirche geht, um der Jungfrau Kerzen zu opfern. Die Kontraste enden natürlich nicht damit – Karin ist Jungfrau, Ingeri ist erfahren und verbittert; Karin ist vertrauensvoll, Ingeri ist misstrauisch und, was am wichtigsten ist, Karin ist (im Großen und Ganzen) rationalistisch und Ingeri ist fatalerweise abergläubisch. Es ist Ingeri, die Karin einen Frosch ins Essen legt, bevor sie zur Kirche reitet; Es ist Ingeri, die Odin zu Beginn des Tages auferweckt hat, und vor allem ist es Ingeri, die – nach einem bizarren Treffen mit einem Einsiedler – einen alten nordischen Fluch beschworen hat, der einen Einfluss auf die folgenden Ereignisse zu haben scheint. Doch Karins Gott – angeblich liebend, vernünftig, fair, allwissend – scheint nicht mehr Trost zu sein als Ingeris Odin. Wie es für Bergmans Werk so typisch ist, fragt sich der Betrachter, ob Gott den Menschen überhaupt noch zuhört. Es ist diese Andeutung – dass Gott verstummt ist – die Bergmans Werk zu einer der großen Visionen des 20. Jahrhunderts zusammenbindet und die den Anstoß für die Trilogie intensiver, unbequemer Meisterwerke lieferte, die diesem Film folgte.

Dennoch ist dies kein Film ohne Hoffnung. Bergman erlaubt es uns – wie er es in getan hat Wilde Erdbeeren und Das siebte Siegel – ein Hoffnungsschimmer und etwas mehr als nur Stille und Dunkelheit. In diesem Fall ist es eine wundersame Manifestation der Natur – eine Quelle entspringt dort, wo Karin getötet wurde – und es ist ganz bewusst, dass es Ingeri – die gefallene Frau, die Sünderin – sein soll, die es findet. Ob dies Sie tatsächlich davon überzeugt, dass Bergman in diesem Stadium seiner Karriere ein Optimist ist, oder dass es sich um einen ziemlich verzweifelten Versuch handelt, die Auswirkungen seiner etwas apokalyptischen Vision zu vermeiden, ist eine interessante Frage. Ich vermute, dass Bergman mit zunehmendem Alter immer pessimistischer in seiner Arbeit wurde – schauen Sie sich nur sein brillantes Drehbuch für Liv Ullmanns an Treulos für eine Geschichte über den totalen moralischen Bankrott und ein Leben ohne Hoffnung – und dass er in diesen Filmen ehrlich versucht, eine Erlösung für die Welt, in der er lebt, zu erarbeiten. Also, Wilde Erdbeeren hat diese eher sentimentale Katharsis für Victor Sjostroms Charakter und Siebtes Siegel lässt das Leben in Form der reisenden Spieler und ihres Kindes über den Tod triumphieren. Für mich wird seine Arbeit immer stärker, je pessimistischer sie wird, aber ich weiß, dass einige Leute seine früheren Arbeiten bevorzugen, bevor das ganze „Schweigen Gottes“ im Mittelpunkt steht.

Die Schauspieler sind bemerkenswert. Gunnel Lindblom, der darin so großartig war Wilde Erdbeeren in einer sehr schwierigen Rolle, ist hier ebenso beeindruckend. Sie nimmt einen Charakter, der eher eine Idee als eine Person ist, und macht ihn überzeugend. Im Gegensatz zu Birgitta Pettersson sind ihre zynischen Blicke und ihr dunkles, wallendes Haar so schön verlockend – zumindest für diejenigen von uns, die Erfahrung der Unschuld vorziehen – und ihre Präsenz ist so stark, dass sie die ersten zehn Minuten des Films nur mit wenigen dominiert Dialogzeilen. Pettersson hat eine einfachere Rolle, aber sie macht es gut, was auf die Faulheit und gefährliche Verspieltheit hindeutet, die hinter ihrem unschuldigen Gesicht und ihren goldenen Locken steckt. Was Max von Sydow und Birgitta Valberg anbelangt, so sind sie nicht zu loben, da sie die Ideen, die ihre Charaktere repräsentieren, mit immenser Kraft und Ausstrahlung verkörpern. Valberg, eine produktive Theaterschauspielerin, die häufig mit Bergman auf der Bühne gearbeitet hat, ist exquisit, wenn sie die winzigen Schritte zeigt, die sie von einer sich selbst verstümmelnden Puritanerin zu einer sich selbst rechtfertigenden Mörderin machen. Max von Sydow war schon immer großartig, aber er nutzt seine einschüchternde physische Präsenz hier auf eine Weise, die nicht immer geschätzt wurde (eines der Dinge, die ihm als Kaiser Ming so viel Spaß gemacht haben Flash Gordon ). Er wird von Bergman ständig in stereotypischen Macho-Attitüden dargestellt, die einen schönen Kontrast zu seiner religiösen und bis zu einem gewissen Grad familiären Unterordnung unter seine Frau darstellen, die ihn für schwach und zu bereit hält, mit Ingeri Kompromisse einzugehen. Als er vom Tod seiner Tochter erfährt, geht er nach draußen und ringt mit einem Baum – ein bewegender und leicht absurder Moment.

Die Bilder sind immer wieder erstaunlich. Sven Nykvist hat bei vielen Gelegenheiten für Bergman gearbeitet, aber er hat seine monochrome Beleuchtung hier selten verbessert. Seine Verwendung harter Kontraste zwischen Hell und Dunkel – zum Beispiel das Dunkel der Küche und die sonnenbeschienene Küste – ist ein wesentlicher Bestandteil der zentralen Konflikte im Film und oft atemberaubend schön. Die visuelle Poesie der Figuren, die sich vor dem glitzernden Wasser abheben, ist durch Nykvists Arbeit hier und die von Gunnar Fischer in selbst zu einem Teil der Filmgeschichte geworden Das siebte Siegel . Nykvist macht auch das Beste aus dem zentralen visuellen Motiv des Films, dem fließenden Wasser, das ständig in den Angelegenheiten der Männer präsent ist und manchmal, wie in der Einsiedlerhütte, direkt in ihr Leben eindringt. Ein weiterer regelmäßiger Mitarbeiter von Bergman, der erwähnt werden sollte, ist Oscar Rosander, der diesen Film und alle Arbeiten von Bergman bis hin geschnitten hat Das Auge des Teufels . Da Bergmans Filme viele statische Einstellungen enthalten, die darauf abzielen, die Charaktere allmählich zu durchbohren, wird der Schnitt nicht oft gelobt, aber es gibt hier Momente – die Vergewaltigung, die Rache, die Eröffnungssammlung von Einstellungen – die zusammengesetzt sind eine feine Aufmerksamkeit für Tempo und Detail. Ich werde auch Erik Nordgrens spärliche, nervtötende Musikpartitur erwähnen, die ein großartiges Beispiel dafür ist, wie minimale Partitur so viel effektiver sein kann als die Sättigung von Bildern mit Saccharin, die im aktuellen Kino so oft praktiziert wird.

Der jungfräuliche Frühling ist nicht mein Lieblingsfilm von Bergman. Es ist vollständig realisiert und durchweg beeindruckend, aber es ist auch ein wenig zu ordentlich und vielleicht eine Spur zu schematisch. Aber es ist leicht, sich auf diesen Film einzulassen, der eine ganze Welt erschafft und sie mit lebenden, atmenden Menschen bevölkert. Die Brutalität, die so subtil heraufbeschworen und doch so schrecklich ist, wird brillant kontrolliert – der vielleicht unerträglichste Moment ist die Ermordung des Kindes, das Zeuge der Morde war und mit den Männern in einer scheinbaren Zuflucht angekommen ist. In Szenen wie dieser begründet Bergman seinen Anspruch, einer der großen Künstler des 20. Jahrhunderts zu sein, indem er mit unbeirrbarer Ehrlichkeit und Mitgefühl Dinge darstellt, die unerträglich erscheinen.

Die Scheibe

Ein weiterer Eintrag in der Tartan ‚Bergman Collection‘, dies ist eine weitere gute Scheibe, die nur auf die spärliche Ausstattung mit Extras fällt. Sie scheinen unangemessen lange zu brauchen, um die verschiedenen Titel zu veröffentlichen, an denen sie die Rechte haben. Dieser Monat sieht die überfällige Ankunft von Person – hoffentlich wurde ein besserer Druck verwendet als der, der letzte Woche in meinem örtlichen Kunsthaus erschien – und Herbstsonate . Hoffentlich werden wir bald die Veröffentlichung einiger der Filme sehen, die in Großbritannien seit Jahren nicht mehr erhältlich waren, wie zum Beispiel The Majestic Schande .

Der Film wird im Original-Vollbildverhältnis präsentiert. Zu Beginn gibt es einige weiße Sprenkel über den Credits – präsentiert auf leicht wischiverwaschenem Schwarz – und meine schlimmsten Befürchtungen kamen auf. Danach verbessern sich die Dinge jedoch. Die Schwarztöne in der ersten Szene sind satt und tief und der Kontrast – so wesentlich für Nykvists Kinematographie – ist sehr gut und manchmal ausgezeichnet. Das Schimmern der Sonne auf dem Meer sieht wunderschön aus und die Innen-Außen-Kontraste werden gut präsentiert. Dies ist im Allgemeinen eine sehr gute Übertragung.

Der Soundtrack ist eine schwedischsprachige Spur in der ursprünglichen Monoaufnahme. Es ist eine gute Strecke. Das Rauschen Probleme, die geplagt Das siebte Siegel sind hier nicht vorhanden und der Dialog klingt natürlich.

Die Extras sind spärlich. Wir bekommen den üblichen Anhänger der Bergman-Sammlung, eine sehr kurze und sinnlose Galerie mit Standbildern und Filmografien für Bergman, Lindblom und Von Sydow. Es gibt auch einige nützliche Notizen von Philip Strick. Leider hat Bergman diesen Film nicht in sein Buch Images: My Life In Film aufgenommen, daher gibt es keine Auszüge daraus. Es gibt englische Untertitel, die nicht eingebrannt und abschaltbar sind, und 16 Kapitelstopps.

Der jungfräuliche Frühling ist ein wichtiger und sehr gut gemachter Film, der nicht ganz Bergmans bestes Werk ist, aber dennoch die meisten anderen Filme um Längen übertrifft. Die DVD ist technisch beeindruckend und bis zum Erscheinen einer Sonderedition die beste Art, den Film zu sehen.

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